Notes On The Wake. Rhapsody and Lamentations in Three Acts (dt: Anmerkungen zu The Wake. Rhapsodie und Klagelieder in drei Akten)

Von Mistura Allison 

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Wake: grief, celebration, memory, and those among

the living who, through ritual, mourn their passing and celebrate their life in particular the watching of relatives and friends beside the body of the dead person from death to burial and the drinking, feasting, and other observances incidental to this.

In the wake, the past that is not past reappears, always, to rupture the present.

Christina Sharpe, In The Wake: On Blackness and Being (2016)

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Ein leises Summen.

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In der Stille der Kontemplation, in der Vergangenheit und Gegenwart zusammenfließen, entfaltet sich die Ausstellung wie eine Elegie, eine reflektierende Hommage an den komplizierten Tanz zwischen Erinnerung, Identität und Zeit in der afrikanischen Diaspora. Die Ausstellung bewegt sich im Spannungsfeld von Zeugenschaft, Wachsamkeit und Trauer - jeder Künstler trägt einen Vers zu dieser elegischen Erzählung bei.

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Christina Sharpes Meditation über das Leben „im Kielwasser" bietet einen ergreifenden Rahmen für unsere Überlegungen. "Wake work", wie sie es beschreibt, ist eine Praxis der Aufmerksamkeit für das anhaltende Echo der Vergangenheit in unserem heutigen Leben, eine Form des Widerstands gegen die Flut des Vergessens. In diesem Kielwasser befindet sich Leo Asemotas Map of a City (2001), eine verschlungene Kartierung von Erinnerung und Zeugnis in der Londoner Stadtlandschaft. Asemotas Fotografien der über die ganze Stadt verstreuten Zeugenaufruf-Tafeln dienen nicht nur als Dokumentation, sondern als visuelle Elegie auf die unzähligen namenlosen Leben, die die Geschichte der Stadt geprägt haben und von ihr geprägt wurden. Indem diese Arbeit die flüchtigen Botschaften der Appelle festhält, unterstreicht sie den Akt der Zeugenschaft als ein gemeinschaftliches und zugleich zutiefst persönliches Unterfangen und greift damit Sharpes Behauptung auf, dass „die Totenwache" ein gemeinsamer Raum der Trauer und Erinnerung ist.

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Mit Gaufi und Kgakala (2023) verkörpern Lerato Shadis große Leinwände aus rohem Leinen, die in rot mit einem Gedankenfluss beschriftet sind, die zeitlichen und taktilen Dimensionen der Erinnerung. Jeder Strich und jedes Wort, das in die Leinwände eingeschrieben ist, spricht zu den persönlichen und kollektiven Erzählungen der Diaspora, Erzählungen, die, wie uns Bell Hooks erinnert, tief mit der Politik der Anerkennung und Zugehörigkeit verwoben sind. Shadis Arbeit lädt uns in ihrer rohen und evokativen Form dazu ein, uns die Möglichkeiten der Heilung und Verbindung durch den Akt des Zeugnisgebens für unsere eigenen Geschichten und die der anderen vorzustellen.

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Helena Uambembes Installation Booming in Statis (2023) bietet einen Kontrapunkt zu den Themen Bewegung und Veränderung. Hier ist der Stillstand nicht gleichbedeutend mit Stille oder Abwesenheit, sondern ein Resonanzraum, der mit dem Echo vergangener Kämpfe und Triumphe gefüllt ist. Diese Arbeit verkörpert Akwaeke Emezis Überlegungen zum Selbst als einem Ort des ständigen Werdens, an dem die Identität weder feststeht noch einzigartig ist, sondern vielmehr eine ständige Verhandlung mit der Vergangenheit und der Gegenwart darstellt. „Ich bin immer eine Vielheit von Vielheiten", schreibt Emezi und lädt uns ein, darüber nachzudenken, wie unsere Identitäten durch die Geschichte, die wir in uns tragen, und die Zukunft, die wir uns vorstellen, geformt werden.

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In Anlehnung an Naomi Di Meos Elegie an ihr jüngeres Ich fordert die Ausstellung den Betrachter zu einer ähnlichen Selbstreflexion auf. Di Meos elegische Prosa, eine zärtliche Reflexion über Wachstum, Verlust und den Lauf der Zeit, spiegelt die Auseinandersetzung der Ausstellung mit dem Gedanken wider, nicht nur Zeugnis von der äußeren Welt abzulegen, sondern auch von den Landschaften in uns selbst. Sie ist eine Erinnerung daran, dass Trauer und Erinnerung nicht nur ein Blick zurück sind, sondern auch ein Akt des Selbstmitgefühls und der Anerkennung, eine Art, die Reise des Werdens zu würdigen.

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Im subtilen Wechselspiel von Licht und Schatten webt „Notes on the Wake: Rhapsody and Lamentations in Three Acts" einen Wandteppich aus Verlust und Liebe, eine kollektive und individuelle Elegie auf die Erfahrung der Diaspora. Mit den Werken von Asemota, Shadi und Uambembe und den nachdenklichen Worten von Sharpe, Hooks, Emezi und Di Meo zeugt die Ausstellung von der Kraft des Raums für Trauer, für Erinnerung und für die unzähligen Möglichkeiten, die Echos unserer gemeinsamen und einzigartigen Geschichte zu bewachen. In diesem Raum verkörpert sich Zeit nicht als linearer Verlauf, sondern als ein reiches Palimpsest, ein lebendiges Archiv dessen, was gewesen ist, was ist und was noch sein könnte.    

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Biografien

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Leo Asemota stammt aus Edo. Er wohnt in London und in seinem Geburtsort Benin City, Nigeria.

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Lerato Shadi ist eine in Mahikeng geborene Künstlerin, die derzeit in Berlin lebt und arbeitet. Sie studierte Bildende Kunst an der University of Johannesburg und erwarb 2018 einen MA in Spatial Strategies an der Kunsthochschule Weißensee Berlin. Sie erhielt 2018 den Alumni Dignitas Award der University of Johannesburg und war im selben Jahr Stipendiatin der Villa Romana in Florenz, Italien. Ihre Arbeiten wurden international in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem in der Bundeskunsthalle, Bonn, Deutschland (2023), im Kunstmuseum Wolfsburg, Deutschland (2022), im Palais de la Porte Dorée und im Musée d'art moderne, beide in Paris, Frankreich (2021); in Einzelausstellungen im KINDL - Zentrum für zeitgenössische Kunst, Berlin und im Kunstverein in Hamburg, Deutschland (2020); während der 14. Curitiba Biennale in Brasilien und bei SAVVY Contemporary, Berlin, Deutschland (2019); Kunsthal Amersfoort, Holland, Zeitz Museum of Contemporary Art Africa in Kapstadt, Südafrika (2018). Ihre Videoarbeit Mabogo Dinku war Teil des von der Whitechapel Gallery London organisierten Artists' Film International Programms 2020 und wurde in Kunstinstitutionen auf der ganzen Welt gezeigt. Im Frühjahr 2022 wurde ihre Monografie bei Archive Books, Berlin, veröffentlicht.

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Helena Uambembe ist eine angolanisch-südafrikanische Künstlerin, die in ihren Arbeiten die dyadische Beziehung zwischen dem Politischen (Weltpolitik) und dem Häuslichen (persönliche Politik) hinterfragt. Ausgehend von der persönlichen und familiären Geschichte kartiert Uambembe den ideologischen und intimen Raum, der durch die historischen und kolonialen Verbindungen zwischen der angolanischen, südafrikanischen und globalen Geschichte geschaffen wurde. Diese komplexe Familiengeschichte (die selbst ein Bruch mit den gängigen Erzählungen über das postkoloniale Afrika ist), das 32. Bataillon, Pomfret und ihr angolanisches Erbe sind die beherrschenden Themen in ihrem multidisziplinären Ansatz. Im Jahr 2022 erhielt Uambembe den Baloise Art Prize 2022 für ihre Installation What you see is not what you remember, die auf der Art Basel in der Sektion Statements gezeigt wurde. Derzeit lebt sie in Berlin, wo sie Stipendiatin des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) ist.

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